インサイド

研究開発こそが競争力の源泉　「今後20年の成長のために、製品エンジニアリング、人間科学、そして日本国外との共同研究に、われわれはさらに投資していく」。アシックスの富永満之社長COOは、AMSI Labの開所式に集まったミシガン州のグレッチェン・ホイットマー知事やミシガン大学のドメニコ・グラッソ学長、各国の報道陣らを前に、そうスピーチした。同社は2025年12月、ミシガン大学との共同研究に複数年で2500万ドル（約39億円）を投じることを発表している。　シューズや衣服に機能性を求める消費者のニーズは、コロナ禍による健康意識の高まりがブーストする形で近年さらに強まっている。素材や製造技術の高度化も背景に、スポーツ・アウトドアメーカー各社は独自の研究開発を強化。それが各社の競争力の源泉になっている。ナイキは2021年、米オレゴン州の本社敷地内に大規模施設を開設して既存の研究所を移設し、オンは今夏、スイス本社内の研究開発ラボを世界のメディアに初公開した。　こうした動きの先駆けの1つとも言えるのが、アシックスが1985年に創業地の神戸に開設したISSだ（施設の竣工は1990年）。全天候型の陸上競技用トラックや人工気象室、材料工学の研究室、成型加工室、AIを活用したシミュレーション室などを備え、基礎研究から製品開発までを一貫して手掛けている。一方、今回開設したAMSI Labで取り組むのは、一見するとシューズ開発とは縁遠い研究分野だ。学問領域を横断、「見たことのない」製品へ　例えば、共同研究に参加する6人の研究者のうちの一人、ラム・ヴァスデヴァン博士の研究室にあったのは、数台のヒューマノイド（二足歩行ロボット）。ミシガン州の主要産業である自動車産業とも関わりの深い、ロボティクスの研究室なのだという。ここでは、ロボットを正確に動かすために培った技術を、人間の動作解析に応用している。　従来、人間の関節の動きや身体にかかる負荷を詳細に計測するには、対象者の体に多数のマーカーを取り付け、特殊なカメラや計測プレートを備えた施設で測定するのが一般的だった。しかし、同研究室ではスマートフォンで撮影した動画から人間の動きを解析する技術を開発している。「この技術があれば特別な装置は必要ない。マラソンのラスト数マイル地点でも、カメラを構えるのが難しい山中でも、ランナーの動作解析ができる。研究室がポケットの中に入っているようなものだ」とヴァスデヴァン博士。　アシックスとの共同研究では、スマホで撮影した動画から人間の骨格や関節の動きを3Dモデルとして再現し、足が地面から受ける力（床反力）などを推定。これまで研究室内に限られていた高度な動作解析を、実際のランニング環境でも行えるようにすることで、シューズ開発に生かしていくという。　同じくロボティクス分野では、エリオット・ラウス博士が、ランニング時の身体の動きをアシストする「エクソスケルトン（外骨格）」を研究している。ふくらはぎに装着するパーツによって筋肉への負担を軽減するとともに、推進力を補助する仕組みだ。ナイキもモーター駆動式の走行補助システム「プロジェクト・アンプリファイ」の開発を進めているが、ラウス博士はモーターを使わず、バネの力を利用することで軽量化を図っているという。　ほかにも、建築分野の知見を生かして立体的なニットファブリックを手掛ける美術大学のような研究室や、生息環境に適応した動物の身体構造をシューズ設計に応用する研究室、日本の伝統的な切り紙から着想を得たバネのような構造を研究する研究室が参加。心理学や統計学などを横断する“Decision Science（意思決定科学）”の博士も参加しており、ランナーの好みや感覚と、シューズの特性との関係を数値化する研究に取り組む。いずれも、従来のスポーツ科学の枠にとらわれない、学問領域を横断するユニークな研究ばかりだ。2028年ロス五輪に向けプロトタイプ開発　「日本のISSはスポーツ科学の研究に長けていて、多くの実績がある。ISSに加えてミシガン大学との共同研究を決めた理由は、ISSでは行っていない領域の研究ができて、なおかつそれを学際的に組み合わせていくことができるからだ」と話すのは、共同研究のアシックス側の責任者である、谷口憲彦ISS America CEO兼AMSI共同ディレクター。　米国に拠点を設けたことで、北米のアスリートやランニングコミュニティーとの接点も増える。AMSI Labの開所式には、2026年のロサンゼルスマラソンで逆転優勝を果たしたネイサン・マーティン選手をはじめとした、アシックスの契約アスリートも出席した。マーティン選手はミシガン在住だ。ミシガン大学のお膝元であるアナーバーはランニングが盛んな土地だといい、アナーバーで市民ランナーも巻き込んでフィールドテストを重ね、そのフィードバックを再び研究開発に反映するサイクルを構想している。　研究開発の強化に加え、AMSI Labの開設で北米市場での存在感を高める狙いもある。アシックスは近年、ランニングシューズを柱の1つに急成長しているが、過去の苦戦の影響から北米の売上高は欧州や日本を下回っており、世界最大級のスポーツ用品市場である米国には大きな成長余地が残されている。富永社長も海外メディアの取材に対し、米国市場でのシェア拡大を課題に挙げている。　現時点で目標とするタイムスケジュールが、ロサンゼルス五輪が開催される2028年。「世界の人たちがおっと驚くようなものを、プロトタイプという形で実現したい」と谷口共同ディレクター。「イノベーションは研究と研究を混ぜることで生まれる可能性がある。こうした研究環境から、誰も見たことがないような、今までにないプロダクトを作り出したい」。

ASICS

Sports

ロボット研究がランニングシューズを変える？　アシックスが米国に研究拠点、異分野の知見を結集

ヘラルボニーと初のパリコレ共演　デザイナー森永邦彦がテーマに掲げた「♡」は、言葉にすると「生命の可視化」。服そのものを命ある存在のように変容させる試みだ。その核心にあったのが、障がいと芸術を結ぶクリエイティブカンパニー「ヘラルボニー（HERALBONY）」とのコラボレーション。契約作家18名によるアートが服へと転写され、ランウェイに登場した。パリコレ公式の場でヘラルボニーの作品が披露されるのは初めてで、健常と障がいという境界を超える表現として、注目を集めた。  　森永はすべての作家と直接対面し、制作の現場を訪ねたという。「彼らの日常の所作、時間の積み重ねにこそ、生命のリアリティが宿っていた」と語る彼が感じたのは「命の結晶」としてのアートだ。そして、ヘラルボニーが掲げる「違いは欠落ではなく可能性」という理念を、自らのクリエイションに重ね合わせ、ファッションへと転換した。心臓のリズムを体現する服　ランウェイを彩ったのは、彼らの作品をドレスに昇華したルック。フリルやラッフルはまるで心臓が脈打つように揺れ、ヘムラインは有機的なリズムを描く。さらに、チェック柄やブレザーなどを組み合わせたプレッピースタイルも登場し、クラシカルな要素と有機的なシルエットが融合した。  鼓動を打つドレスとバッグが登場　ショー中盤に登場したユカイ工学（Yukai Engineering）と開発したぬいぐるみバッグは、セラピーロボット「クーボ（Qoobo）」の仕組みを応用し、撫でると尻尾がふわりと動く。その後に続いた、同技術を用いたドレスは、ソフトチューブロボットを仕込み、身体に寄り添ったり離れたりと、まるで呼吸するように変化する。森永が「服自体が自発的に動き出す表現を目指した」と語るように、服に命を宿す試みだ。  ランウェイ全体がひとつの生命体に　会場を包んだ音楽は、前シーズンに続き、元ダフト・パンクのトーマ・バンガルテルが制作したオリジナルサウンドトラック。冒頭から、心臓の鼓動のような低音が鳴り響き、服の揺らぎとシンクロする。音と衣服が一体となり、まるでランウェイ自体がひとつの生命体として躍動するようだった。「生命を可視化する」という新たなファッションの表現　パリコレ参加23回目。森永はこれまでもファッションの境界を軽やかに超えてきた。今回のヘラルボニーの作家たちが紡いだ純粋な表現は、アンリアレイジを通じて新たな息吹を吹き込み、ファッションとアート、そして福祉を融合させ、「生命を可視化する」という新しい可能性を示す。これは、ファッションが果たすべき役割のひとつを、あたたかく、そして力強く提示するものとなった。

ANREALAGE

Fashion

2026年春夏コレクションのテーマは「♡」

アンリアレイジが服に命を宿す　パリコレでヘラルボニーと初共演

池内啓人1990年生まれ東京都出身。多摩美術大学情報デザイン学科を卒業後、パソコンと模型を組み合わせた独自のスタイルの作品を発表し、これまでに「バレンシアガ（BALENCIAGA）」の2022年春夏コレクションのキャンペーンヴィジュアルをはじめ、「シュウ ウエムラ（shu uemura）」などのブランドに作品を提供したほか、KOHHやエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）が国内で開催したポップアップストアにも参加している。公式インスタグラム「オタクリスペクト」から始まった作品制作ー池内さんは多摩美術大学の情報デザイン学科を卒業されています。主だって平面作品を勉強する学科ですよね。池内啓人（以下、池内）：おっしゃる通り、学生時代はフォトグラフィックなど平面デザインについて学んできました。ー立体作品の制作はいつから？池内：卒業制作でジオラマを作ったのが最初です。ただ学部生の頃から、大学にあるサークル棟の1番奥で戦車のプラモデルやガンプラ※をずっと作っていました。※ガンプラ：機動戦士ガンダムシリーズのプラモデルの略称ー深水さんは、池内さんのマネジメントを2019年から担当しています。深水くらら（以下、深水）：その1年ほど前から一方的に知っていたんです。私は元々KOHHの制作チームに所属していて。「サイバー感漂うミュージックビデオを作りたい」というプロデューサーの要望を受けて、池内さんに連絡をとったのが始まりでした。ー池内さんの作品のどこに魅力を感じていたんでしょうか？深水：「今、ここにあるもの」を使って「架空・存在しないもの」を作っているところです。うまく言えないのですが、物体としてはたしかに存在しているはずなのに、この時代のものではないように感じるというか。アニメや漫画の世界でだけで見たことがあったものが、実際に目の前に物体としてあるということに衝撃を受けたんですよね。池内：僕自身はあまり自分の作品に神秘性を感じないんですけどね（笑）。僕の目の前には深水さんが言うところの「架空・存在しないもの」がずっとあったから。ー「架空と実在」という二項に対する認識の違いが、鑑賞者と池内さんの間にはあるのかもしれないですね。作品を見た鑑賞者からは「オタク心をくすぐる」という深水さんと似たようなコメントもみかけます。池内：オタクリスペクトから始まっているのは間違いないです。最初は自分が影響を受けたアニメ「ゾイド」や映画「スター・ウォーズ」など、好きなものを別の表現としてそのまま出す、ということをしていただけなので。「作品には作家の主体性を一切入れていない」、その意図とは？ー池内さんの作品はサイバーパンクやSF映画などを彷彿とさせるのですが、一方で「現代における仏頭のようだな」と会場入り口に静置されているマスク作品を見て思いました。池内：誰しもが抱えるコンプレックスを埋めるための「パズルの1ピース」みたいな作品になればいいなと思っているので、そう感じて頂けて嬉しいです。ー「コンプレックスを埋めるための"パズルの1ピース"」というのは具体的に？池内：僕は作品を制作するにあたって「自分の主体を一切排除すること」を意識していて。主体を排除することで、誰しもが心のどこかで追い求めている「自らのコンプレックスをぴったりと埋めてくれるもの」になればいいな、と。ー確かに池内さんの作品には作家のサインがありませんし、今回の個展名も「IKEUCHI HIROTO EXHIBITION」というだけで特別な展覧会名はついていません。池内：作品のどこかに自分のサインを入れてしまったら、おそらく「僕のコンプレックスの隙間」しか埋められなくなると思います。仏頭に代表されるような「鑑賞者のための救済」にはならない。作品を見た誰かが、自分が意図しないところで自由に想像するのはとてもよいな、と。個展名に関しても「みんなが好き勝手につければいい」と思っています。深水：主体とコンプレックの話で言うと、ヘッドセットを装着するとその人の顔を完全に覆い隠すので、鑑賞者自身の主体性もなくなるんです。池内：自分のヴィジュアルが好きじゃない人は、あれをつけることで主体を排除できるから良いんだろうな、と思います。深水：今、マスクと言う概念は「身を守るもの」「マナー」という側面が強くなりましたが、その意味付けがなされる前は「自分の顔を一時的に隠すもの」としても使われていましたよね。池内：それこそ作家には「完全な一貫性」が必要だと思っていて。例えば僕だったら「顔を出さない」「作品に自分の主体姓を残さない」「個展名を付けない」などです。ーアーティストが一貫性を持つからこそ、鑑賞者は自由に作品を解釈することができるように思います。池内：そこがぶれてしまうと、作品と鑑賞者の間で生まれるコミュニケーションのノイズになるような気がしますよね。ー作品に対して「自分のものである」という所有欲みたいなものがあまりないのでしょうか？池内：昔はありました。でも、いっぱい持っていても物が自分を救うことがなかったんですよね。アニメグッズとかを集めていても、引越しの時には全部捨ててしまうし。ーアーティストによっては、鑑賞者による独自の解釈がなされることを嫌う人もいます。池内：作品の全てはヘッドホンや掃除機などの既製品を組み合わせて作られたものですが、僕だって元の既製品の意味を取っ払って「別の意味」を持たせている。同じように他の人が僕の作品に「別の意味」をもたせるのは全く持って自然な流れだと思います。ー確かに、作品に用いられている既製品はよく見ないと「元々なんだったのか」が分からないくらい別のものへと変貌していますね。池内：既製品の中から欲しい部品を手に入れるために分解したりもしています。分解している時はマグロの解体ショーみたいな気持ちで（笑）。作品には僕の主体は入れていないし、物自体の主体も入れたくない。例えばVRゴーグルも「VRゴーグルとしての主体」が残りすぎるとあまり良くない。「ゴテゴテと既製品をデコレーションすることで物自体の主体を覆い隠す」ということを意識をしています。 ーただ作品は、元々の既製品が持っていた「機能」は損なっておらず全て使用することが可能なんですよね？池内：そうですね。少しおかしな例え話ですが「人間は好きだけど、マネキンは嫌い」という気持ちです。物の主体は奪いたいけど、本質は残しておきたい。ものにおける本質は機能だと思うので。展示会場に「レクイエム」が流れ続ける理由ー会場にはミシェル・カルージュによる「新訳 独身者機械」も置かれています。本作は、マルセル・デュシャンの作品「彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも」とフランツ・カフカの小説「流刑地にて」に類似点を見出し、その類似点は他の作品にも見受けられる、という指摘がなされている書籍です。池内：まさに僕の作品を見てそれぞれが異なった印象を自由に感じるように、ミシェル・カルージュが「お前はこうなんだろう！」という決めつけを小説家に対してひたすら盲信的に綴った著書で、共感できるところもあり面白いんですよ。本作で取り上げられているマルセル・デュシャンの「彼女の独身者たちによって裸にされた花嫁、さえも」は、作品を上下に二分割した時に、上パネルが「理想」、下パネルが「現実」を表現した二層構造になっているそうです。今回の会場であるSAIも天井が窓になっていて、展示されている作品が反射して写るんですよ。デュシャンの作品と今回の展示会場がとても近しいというのも含めて、「ひたすら一緒で面白い」と思い展示における大きなモチーフとして採用しました。 ー会場の話が出ましたが、展示室にはずっとレクイエムが流れていますよね。池内：僕が選曲したものです。1人でやっていた制作活動ですが、深水さんがマネジメントに入ってくれたことでたくさんのことが変わった、というのを表現するのにレクイエムがぴったりかな、と。ーレクイエムは「鎮魂歌」と日本語では訳され、亡くなった人を悼む内容の作品が多いですが。池内：消極的な気持ちで選曲したわけじゃないんです。1人でやっていたところから、複数の人が携わるようになったことで失ったものは実際たくさんあります。例えば、周りの人が作品に勝手に文脈をつけて僕の文脈が死んでしまったり。ただ、そういった「亡くなってしまった」ということに対して、悲しみではなく「よかったね」という気持ちがあるんです。レクイエムにも何種類かあるんですが、大抵は「残念だ」「許せない」などの怒りの一幕が入っている。でも会場で流しているガブリエル・フォーレによる「レクイエムニ短調作品48」は、ひたすらに安息と安らぎが歌われています。それが今の自分の気持ちにぴったりだったんですよ。「非到達だけが唯一の永遠」追求するのは根源的な美ー池内さんの作品をファッションと結びつけたのは深水さんと聞きました。深水：私は、池内が「好きで作っているものが、そのままもっと世に出ていけば良い」と思っています。池内の作品を見つけた一部の人が独占して楽しみ、そのまま時間だけが経つというのも否定はしません。でも、彼の作品が狭い界隈の中でしか知られないというのはもったいないな、と。例えば村上隆さんと「ルイ・ヴィトン（LOUIS VUITTON）」、空山基さんと「ディオール（DIOR）」のように、素晴らしい者が素晴らしい物と組み合わさりスプレッドされることで認知され、価値も上がっていきます。認知とビジネスといった点で、アートはファッションと切り離せないし無視できないものだと考えています。池内：僕の視点では、消費が早い「ファスト」という意味でファッションもアートも一緒。また「物自体には価値がなく、文脈の上で価値が乗っかっている」という点でも類似している。ブランドも「ブランド品である」という側面で値が付いていることは大なり小なりあるだろうし、アートも文脈やコンテクストに値がついている。 深水：池内の作品は、美術の文脈にもファッションの文脈にも乗せづらいものだと思っています。元々は既製品を組み合わせているだけなので価格という面でも「どれくらいの価値があるものなのか」がはかりづらい。ただその分「なんでもできるだろうな」とは思っていたし、極論「物自体に価値はない」と言い換えることもできるのかな、と。ファッションでもアートでも、2次元でも3次元でも構わない作品なのではないでしょうか。ー池内さんは、深水さんから「ファッションブランドと仕事をしていく」と聞いた時はどう思いましたか？池内：絶対の正解ではないかもしれないけど「良いのでは」と思いました。ー「作品から作家の主体を排除している」という言葉の通り、マネジメントにおいても作家としての池内さんは希薄というか、達観していますね。池内：そうですね。マネージャーがやりたいことをやっている（笑）。深水：私はこうしたいと思っていることがあるけど、それは池内の想像と異なるものなのかもしれません。ーマネジメントにおいて、自分の意思が反映されないことを嫌うアーティストの方が多いと思います。池内：すごい嫌です（笑）。でもその「嫌だ」という気持ちがあるからまだ制作できるのかな、と。諦めの悪さというか。まだ微妙に信じられるものがあるなら、そこは追い求めていきたい。ー「信じているもの」とは？池内：今は「バランス感覚」についてです。バレンシアガのヴィジュアルに使用された身体拡張ロボット「スケルトニクス」は、2015年に作った作品でディテールはしょうもないんですけど、今見てもみんなが「カッコいい」と思うのはなんでなんだろう、とか。展示会場にもある男性マネキンは僕的にはバランスが悪く、女性マネキンの方がバランスが良いと思っているのですが、それを証明するように女性マネキンの方が先に売れたりとか。そういう人類が無意識に追い求めている「根源的な美」みたいなものがあるんじゃないんだろうか、と。「宗教的な美」を目指したところから、万物も美に向かって行ったという人類の歴史もありますしね。「根源的な美は存在するのか」という問いを作品を通して追求していきたいです。「根源的な美」を追い求めた先には何もないかもしれませんし、答えのない問いかもしれません。でも僕は「非到達だけが唯一の永遠だな」とも思っているので。 ー達成できないということが分かっていながらも、なぜ「根源的な美」を目指すのでしょうか？池内：物を作り続けていると「自分が想像した通りに作れるんじゃないか」という希望みたいなものはなくて、「絶対に到達できない何かがある」ということだけが明確になるんです。それを知ってしまった、というのはある種のコンプレックスだったりもします。今はその自分自身のコンプレックスを埋めるために、いろんな人に話を聞いたり、他の目的を見つけようとしている最中なんですよ。（聞き手：古堅明日香）

特集一覧タグ「ロボット」の記事一覧

特集一覧タグ「ロボット」の
記事一覧